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“Gretel e Hansel” film recensione (NO SPOILER)

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“Gretel e Hansel” film recensione (NO SPOILER)

“Gretel e Hansel” film recensione (NO SPOILER)

Distribuzione: Midnight Factory

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Regia: Oz Perkins
Cast: Sophia Lillis, Samuel Leakey, Charles Babalola, Alice Krige, Jessica De Gouw, Fiona O’Shaughnessy, Donncha Crowley, Melody Carrillo, Jonathan Delaney Tynan
Genere: Horror, Fantasy
Durata: 87 minuti
Voto: ♥♥ 1/2 (su 5)

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La trama

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Un giorno la giovane Gretel e il fratellino Hansel vengono cacciati di casa dalla madre. Quest’ultima non non può più provvedere a loro a causa della povertà dilagante. La ragazza decide di addentrarsi nell’oscuro bosco insieme al fratello alla disperata ricerca di cibo, riparo e lavoro. Ma non sa che la foresta è piena di insidie e pericoli mortali. Fortunatamente accorre in loro aiuto un cacciatore. che li aiuterà a superare i primi ostacoli che la folta boscaglia presenterà ai due fratelli. Ma mentre sono alla ricerca di cibo nel bosco, incappano in una casa che emana profumo di dolci appena sfornati. Qui abita un’anziana donna, Holda, che offre ai due pasti, un posto per dormire in cambio di aiuto nei lavori di casa.

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Il nostro giudizio

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“Gretel e Hansel” è un’interessante opera di rivisitazione in chiave gotica della pellicola dei fratelli Grimm. Il soggetto non è proprio originalissimo, anche perché, solo sette anni fa, Tommy Wirkola si era divertito a rimescolare i tasselli della fiaba in un action scanzonato (“Hansel & Gretel – Cacciatori di streghe”). Qui, invece, gli eventi vengono presi terribilmente sul serio. Il buon Oz Perkins, infatti, inserisce i giovani protagonisti in un’ambientazione medievale, si, ma piuttosto imprecisa, e li segue nella spasmodica ricerca di una salvezza tutt’altro che facile da raggiungere.

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C’è da dire che il regista è davvero bravo nel disegnare attorno ai protagonisti un mondo tanto spaventoso quanto affascinante. La pellicola ha una forte carica evocativa, dettata da immagini in grado di affascinare lo spettatore, come fossero quadri ispirati all’arte fiamminga. Interessante anche lo spunto filosofico che è nel sottotesto, ovvero quest’idea del Male che si nasconde dietro i finti bisogni, alla base delle delusioni esistenziali. Un Male che colpisce pericolosamente l’ingenuo Hansel e, invece, viene tenuto a distanza dalla matura e consapevole Gretel.

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Il film, però, soffre di una lentezza davvero disarmante. D’accordo, è utile a rendere il tutto volutamente ipnotico, ma la narrazione subisce un grave danno. Gli eventi che vedono Gretel investigare sull’oscuro segreto nascosto dietro l’anziana che l’accoglie e la ricerca di sé stessa, scorrono con una flemma portatrice di sonnolenza. Va anche bene infarcire il film di un sottotesto incentrato sulla dannosità della fame di potere, ma, alla fine, diventa difficile catalogare “Gretel e Hansel” come horror.

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“Gretel e Hansel” film recensione (NO SPOILER)

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Anzi, diventa piuttosto difficile etichettarlo con un genere. Sia chiaro, non è per forza una cosa negativa (c’è chi  ne farebbe un vanto), ma il risultato è che la visione si rivela davvero difficile. E questo di certo non giova ad una pellicola che, già in partenza, ha pochi punti di attrazione verso il pubblico. Rimane, comunque, da sottolineare ancora una volta l’indubbia bravura del regista, che riesce a trasmettere per intero la sua passione per le ambientazioni cupe e sature di cattivi pensieri.

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Chiara, nell’aver invertito i nomi dei protagonisti nel titolo, la volontà di mettere più in luce il personaggio di Gretel rispetto a quello di Hansel. Operazione riuscita, anche per merito della buona prova, in sottrazione, di Sophia Lillis, talento lanciato dal successo di “It”. In generale, funziona bene tutto il cast femminile, perché è eccelente anche la prova della veterana Alice Krige, perfetta nei panni della strega.

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“ONWARD” FILM RECENSIONE (NO SPOILER)

“Onward” film recensione (NO SPOILER)

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“Onward” film recensione (NO SPOILER)

“Onward” film recensione (NO SPOILER)

Distribuzione: Disney.it

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Regia: Dan Scanlon
Voci italiane: Andrea Mete, Alex Polidori, Sabrina Ferilli, Francesca Guadagno, Enzo Avolio, Fabio Volo, Guendalina Ward, Micaela Incitti, Delal Suleiman, Graziella Polesinanti, Massimiliano Manfredi, Renato Cecchetto
Genere: Animazione, fantastico, commedia, avventura
Voto: ♥♥♥ (su 5)

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La trama

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In un tempo equivalente ai tempi moderni, nella città di New Mushroomton vivono due fratelli elfi. Ian Lightfoot, un liceale privo di fiducia in sé stesso, e Barley, appassionato di giochi di ruolo e fanatico della storia, che Ian trova imbarazzante a causa del suo comportamento stravagante. Il padre Wilden è morto poco prima della nascita di Ian a causa di una grave malattia. Lasciando la loro madre Laurel ad allevarli da sola. I tre conducono una vita serena e Laurel ha un nuovo fidanzato, l’agente di polizia centauro Colt Bronco, che i ragazzi non gradiscono. Al sedicesimo compleanno di Ian, Laurel dà ai fratelli un regalo di Wilden. Un bastone magico, una rara Gemma di Fenice e una lettera che spiega come lanciare un ‘incantesimo evocativo’, in grado di far risorgere Wilden per un solo giorno.

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Il nostro giudizio

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La storia della distribuzione di questo film è abbastanza particolare: uscito nelle sale statunitensi prima del lockdown, non stava andando particolarmente bene, anzi. Il pubblico, in sostanza, lo aveva snobbato, definendolo un film trascurabile, probabilmente il peggiore della Pixar. Critiche piuttosto ingenerose, perché certo non è tra i migliori, ma non si può pretendere che una casa di produzione faccia uscire solo cose eccellenti. “Onward” è un film ben fatto, soprattutto da un punto di vista dell’animazione, e riesce pure a mandare un messaggio potentissimo, non trascurando di far divertire il pubblico con qualche sketch riuscito. Certo, ha più di qualche difetto. Un esempio? L’ambientazione, sospesa tra il fantasy ed il contemporaneo, è molto superficiale, almeno rispetto agli affini e illustri predecessori “Monsters & co.” e “Monsters University”. Manca, poi, il ‘cattivo’ della situazione, che è una sorta di marchio di fabbrica della Pixar, solitamente molto brava nel crearne di validi.

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E’ una grave perdita, almeno da un punto di vista narrativo, perché questo tipo di cinema d’animazione soffre molto quando manca il nemico da combattere. Interessante, però, l’ostacolo che i due protagonisti devono superare, ovvero le loro paure. Buonissimo, poi, il doppiaggio sia statunitense sia italiano. In originale, infatti, Ian e Barley hanno la voce, rispettivamente, dei ‘marvelliani’ Tom Holland e Chris Pratt. Per la versione, italiana, invece, è stata fatta la scelta più saggia, ovvero quella di prendere i doppiatori nostrani dei due attori. Attenzione: nel nostro cast di ugole compaiono anche Fabio Volo (che presta le corde vocali al padre dei due fratelli) e Favij, che doppia Spiritello. Nessun allarme, però, perché sono personaggi secondari, con apparizioni talmente brevi che gli è praticamente impossibile rovinare alcunché. Cattiverie a parte, è interessante, da un punto di vista della sceneggiatura, il ruolo del genitore dei protagonista.

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“Onward” film recensione (NO SPOILER)

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Pur non parlando praticamente mai, infatti, ha un ruolo centrale e un simbolismo di gran valore. Esilarante, poi, il continuo citazionismo in stile “Weekend con il morto”. “Onward”, dicevamo, è un film che fa anche ridere ma, per onestà, dobbiamo far notare che è la pellicola meno divertente della Pixar. Verrà, però, senz’altro ricordato per l’emozionante ritratto del rapporto unico tra i due fratelli al centro del racconto. Ian e Barley sono profondamente diversi. Il primo è timidissimo, malinconico, insicuro e pieno di paure, mentre l’altro è un sognatore testardo e, soprattutto, caparbio. E’ estremamente interessante, poi, il fatto che il loro papà, nonostante abbia vissuto in un mondo magico, sia morto per un brutto male incurabile. Il film, quindi, si addentra con grande delicatezza nel complesso tema dell’elaborazione del lutto tra gli adolescenti.

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“Onward” è un riuscito road-movie di formazione, dove ciascuno dei due protagonisti imparerà qualcosa dall’altro. Un bel viaggio tra le emozioni in cui si fa tappa negli anfratti più nascosti delle anime dei personaggi principali. Laddove, cioè, si nascondono le paure su un futuro apparentemente troppo grande e incerto per la loro giovane età. E’ una pellicola che invita i giovani spettatori a non arrendersi davanti alle difficoltà, a trovare sempre una ragione per combattere e, soprattutto, a non sentirsi mai soli, anche quando si subisce una grave perdita. Molto meno interessanti, invece, gli altri personaggi secondari. Strano, perché di solito la Pixar, invece, dedica sempre loro il giusto spazio. Alcuni di loro, addirittura, appaiono e scompaiono senza lasciare traccia. Un peccato, poi, che il ruolo della madre di Ian e Barley non sia sviluppato a dovere, perché potenzialmente avrebbe una parte importantissima. Invece, da un certo punto in poi, viene messa inspiegabilmente ai margini della narrazione. Per tanti motivi, dunque, “Onward” va considerato un film minore della Pixar, ma magari tutti i ‘minori’ avessero il suo tasso di qualità!

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Francesco G. Balzano

“TENET” RECENSIONE FILM (NO SPOILER)

“Tenet” recensione film (NO SPOILER)

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“Tenet” recensione film (NO SPOILER)

“Tenet” recensione film (NO SPOILER)

Distribuzione: Warner Bros Italia

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Regia: Christopher Nolan
Cast: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Dimple Kapadia, Michael Caine, Kenneth Branagh, Martin Donovan, Fiona Dourif, Jurij Kolokol’nikov, Himesh Patel, Clémence Poésy, Aaron Taylor-Johnson, Denzil Smith.
Genere: Azione, fantascienza, spionaggio, thriller
Durata: 150 minuti
Voto: ♥♥

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La trama

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Il protagonista senza nome, un agente della CIA, partecipa a un’operazione russa sotto copertura . Per salvare un agente compromesso e rubare un oggetto non identificato durante un assedio terroristico al teatro dell’opera di Kiev. Dopo aver salvato l’agente e recuperato l’oggetto, il protagonista invia parte della sua squadra attraverso un’uscita segreta. Poco dopo il protagonista viene salvato da un uomo armato mascherato, con un filo rosso sullo zaino. Il protagonista si unisce nuovamente ai russi, che, resosi conto di essere stati ingannati, lo torturano, ma il giovane resiste all’interrogatorio e assume una pillola avvelenata. Al risveglio, il protagonista scopre che la pillola era falsa e che i russi hanno catturato e ucciso tutti i membri della sua squadra. Appropriandosi dell’oggetto non identificato.

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Il nostro giudizio

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“Tenet” è il film che certifica quanto, ormai, Nolan sia diventato un fan di sé stesso. Nella pellicola, infatti, troviamo tutti i punti cardine della sua idea di cinema. Esasperati, però, all’ennesima potenza, con un gusto che diventa quasi parodistico. La trama, di per sé, ha una sua linearità, ma siccome il regista, negli anni, si è fatto conoscere per le storie cervellotiche, allora complica tutto forzatamente. Intendiamoci, “Tenet” ha un senso cinematografico indiscutibile, una colonna sonora memorabile ed un cast di primissimo livello.

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Buone, a tal proposito, le interpretazioni dei due protagonisti, John David Washington e Robert Pattinson, anche se la sceneggiatura non dà ai loro personaggi il giusto spessore, rendendoli così facilmente dimenticabili. Interessanti e ben caratterizzati, invece, i ruoli interpretati da Elizabeth Debicki e Kenneth Branagh, quest’ultimo perfetto nella parte del villain. Ad ogni modo, seppur non si può parlare di pellicola deludente, si può invece dire che, dopo “Dunkirk”, Nolan prosegue nel suo periodo di scarsa vena creativa.

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Insomma, chi si aspetta un nuovo “Inception” è destinato a rimanere deluso. Il soggetto è senz’altro interessante, però il problema di questo film è nella messa in scena estremamente confusionaria, col solito finale che necessita di una spiegazione da cercare su Google. Se in “Inception”, però, quell’alone di mistero sull’epilogo era furbescamente voluto, qui la conclusione sembra dovutamente confusa. Quasi, insomma, come se fosse un dogma del suo cinema più che una reale necessità narrativa.

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“Tenet” recensione film (NO SPOILER)

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Dunque, in “Tenet” la confusione regna sovrana, sia per colpa di uno script troppo raffazzonato, sia, a sorpresa, per una regia con poche intuizioni. Fatte salve, comunque, alcune, pochissime, scene con un buon tasso di inventiva. La realizzazione tecnica del film, tutto sommato, è anche discreta (non eccelsa, però), ma il vero punto debole di questa produzione è la totale mancanza di contenuto, nonostante una confezione piuttosto curata. La pellicola, insomma, si accontenta di un’aurea mediocritas.

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Di essere un interessante esercizio di stile in cui ognuno fa bene il compitino senza, però, credere troppo nel progetto complessivo. Buono il sottotesto, anche se, di nuovo, è un po’ buttato lì a caso e si perde nel marasma generale. Siamo, dunque, molto lontani dalla magnificienza con cui venivano svelati i messaggi subliminali nel cinema del cineasta statunitense. “Tenet” rimane un film da vedere, se non altro perché diretto da uno degli autori più celebrati dei nostri tempi. Però sarebbe poco onesto non sottolineare che c’era da aspettarsi molto (ma molto) di più.

Francesco G. Balzano

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“365 GIORNI” LA RECENSIONE DEL FILM

Disney+ ecco un altro film che uscirà in streaming invece che in sala

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Disney+ ecco un altro film che uscirà in streaming invece che in sala

Disney+ ecco un altro film che uscirà in streaming invece che in sala

Laura Silvestri per cinema.everyeye.it

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Il Coronavirus ha completamente rivoluzionato l’industria dell’intrattenimento per i tempi a venire. E alcuni alcuni dei maggiori cambiamenti sono avvenuti nei calendari degli Studios, a partire da quello Disney. Vediamo quali sono le ultime novità al riguardo. Il primo cambiamento riguarda il passaggio su Disney+ del film d’animazione The One and Only Ivan, basato sull’omonimo romanzo di K. A. Applegate. E che vede nel cast anche Angelina Jolie, Sam Rockwell, Bryan Cranston, Helen Mirren, Brooklyn Prince e Danny DeVito.

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Come successo già con Artemis Fowl di Kenneth Branagh, The One and Only Ivan verrà reso disponibile esclusivamente in streaming per gli abbonati al servizio. A partire dal 21 agosto (data americana). Sul fronte strettamente cinematografico, invece, a essere rimandati da settembre 2020 all’estate del prossimo anno saranno i Beatles. Con il documentario The Beatles: Get Back, previsto ora per il 27 agosto 2021.

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Intanto, il film targato 20th Century Fox Everybody’s Talking About Jamie passerà dal 23 ottobre 2020 al 22 gennaio 2021. Mentre una pellicola che era stata precedentemente rimossa dal calendario, The Personal History of David Copperfield con protagonista Dev Patel, uscirà in sala il 14 agosto. Al posto di The One and Only Ivan. Come ricorderete, questi non sono i primi spostamenti di date annunciati dalla compagnia. Che è ancora alle prese con l’effetto domino creatosi proprio a causa dei precedenti slittamenti. Vedremo come andranno ad incastrarsi in futuro gli altri progetti in cantiere in casa Disney (e non solo).

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SKAM ITALIA 4 LA STORIA DI SANA IL TRAILER UFFICIALE DELLA NUOVA STAGIONE

Oscar 2020 i vincitori Parasite è il miglior film Joaquin “Joker” Phoenix Renée Zellweger Brad Pitt e Laura Dern migliori attori

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Oscar 2020 i vincitori Parasite è il miglior film Joaquin “Joker” Phoenix Renée Zellweger Brad Pitt e Laura Dern migliori attori

Oscar 2020 i vincitori Parasite è il miglior film Joaquin “Joker” Phoenix Renée Zellweger Brad Pitt e Laura Dern migliori attori

Davide Turrini per ilfattoquotidiano.it

Trionfo Parasite. Miglior film, miglior film internazionale, miglior sceneggiatura e miglior regia. Non era mai successo nella storia degli Oscar. È il primo film non in lingua inglese a vincere nella più importante categoria tra quelle dell’Academy. Sì, certo, The artist vinse nel 2011, ma era un film muto e soprattutto ambientato totalmente ad Hollywood.

La dedica del miglior regista al Maestro Scorsese – Il film targato Corea del Sud, scritto e diretto da Bong Joon Ho è invece un vero e proprio altrove geografico e culturale. Anche se racconta qualcosa di politicamente universale come l’eterno conflitto tra differenti classi socio-economiche. Insomma, un Oscar molto marxista e poco liberista, quello del 2020. Ma soprattutto un Oscar, anzi quattro che vanno a premiare un’opera di grande cinema a livello tecnico ed estetico. Il primo Oscar, allo script di Bong, arriva quando ancora la cerimonia è agli inizi. Poi l’esplosione di premi prorompe nell’ultima mezz’ora.

La dedica di Bong a Martin Scorsese e Quentin Tarantino

Bong si deve alzare quattro volte ed ogni volta è totale sorpresa. A un certo punto quando deve ritirare la statuetta come miglior regista, surclassando Scorsese, Tarantino, Mendes e Todd Phillips gli tocca inchinarsi regalando una standing ovation per zio Marty: “Quando studiavo cinema ciò che più mi è rimasto nel cuore è la frase: più si è personali più si è creativi. E quella frase l’ha detta Scorsese che ho studiato a scuola”.

Dolby Theatre in piedi per Martin. “Ringrazio anche Quentin che ha sempre messo i miei film tra suoi preferiti”. E Tarantino ringrazia da vero fratello di sangue facendo il gesto della mano sul cuore. “Avessi una motosega dividerei l’Oscar in tante parti con tutti voi”. Bong, 50 anni, una carriera di successo nel terzo più grande sistema di produzione cinematografica al mondo, non è solo tipo da film art house come Parasite. Nel passato ha girato un blockbuster come The Host, un film drammatico come Memories of murder, ma soprattutto un film estremamente animalista come Okja, dove la protagonista salva un maiale dal macello per poi viverci insieme. Insomma, oltre l’inquadratura c’è di più.

Il discorso ultrambientalista di Joaquin Phoenix e il ricordo del fratello River

Joaquin Joker e il discorso ultrambientalista – Un po’ come ha voluto sottolineare, serissimo, Joaquin Phoenix, Oscar annunciato e meritato come miglior attore protagonista in Joker, nel suo impressionante discorso politicamente ultra-ambientalista. “Il dono più grande è l’opportunità di dare la nostra voce a chi non ha voce. Tutte le volte che parliamo di diseguaglianze di genere, razzismo, diritti LGBTQ, diritti degli animali e dei nativi, parliamo di diritti dove una specie non deve dominarne un’altra impunemente. Siamo così lontani e disconnessi dalla natura, pensiamo di essere al centro dell’universo, ci sentiamo in diritto di inseminare artificialmente una mucca. E quando gli nasce un vitello glielo rubiamo o usiamo il suo latte per i cereali al mattino”, ha spiegato Phoenix”.

“Abbiamo paura dell’idea di cambiare, pensiamo solo al sacrificio che toccherebbe a noi, ma gli esseri umani sono così pieni di inventiva. Usiamo l’amore per realizzare un sistema di vita per tutti gli esseri senzienti e l’ambiente. Nella mia vita sono stato egoista, cattivo e crudele, sono stato un collega difficile, ma la cosa più importante è darsi una seconda opportunità. Sosteniamoci insieme così verrà il meglio per l’umanità”. Joaquin ha poi concluso citando il fratello River: “Quando mio fratello aveva 17 anni scrisse: corri verso il rifugio con amore e la pace giungerà”.

Gli altri premi e la delusione per Martin Scorsese

Gli altri film e il premio a Renée Zellweger per Judy – Di fronte all’exploit di Parasite tutti gli altri film in nomination rimangono come annichiliti. 1917, sbandierato come il favorito alla vigilia, vince tre Oscar (fotografia, sonoro ed effetti speciali). A due Oscar si fermano Joker (Phoenix come miglior attore e la straordinaria colonna sonora dell’islandese Hildur Guðnadóttir); C’era una volta ad Hollywood (Brad Pitt come miglior attore non protagonista e production design); ma anche due Oscar come montaggio e sound editing per l’ingiustamente trascurato Ford vs. Ferrari di James Mangold. Ad un Oscar troviamo invece Marriage Story di Noah Baumbach (Laura Dern come attrice non protagonista); Piccole donne (costumi) e Bombshell (trucco).

Mentre a bocca asciutta rimane mestamente The Irishman di Martin Scorsese che in mezzo a tutta la compagnia di giro degli altri nominati e vincitori è parso improvvisamente un film vecchissimo e imbalsamato come mai ci era sembrato in questi mesi. Oltretutto nel solito tabellino vecchi studios vs. Netflix&Co, i vecchi studios non sembrano lasciare quest’anno granché ai nuovi arrivati, anzi. L’Oscar alla miglior attrice protagonista, telefonato anch’esso da settimane, va a Renée Zellweger che rifà in posa plastica, gobbetta e visino tra il contrito e l’alcolizzato una Judy Garland vecchio stile, che è anche un modo per Hollywood di risarcire sacrifici e tragedie all’attrice del Mago di Oz e di È nata una stella.

I look delle star

La lunga notte degli Oscar era iniziata sul red carpet dei divi con uno Spike Lee in abito viola melanzana Los Angeles Lakers (lui che è dei Knicks di New York) omaggio esplicito allo scomparso Kobe Bryant. A stretto giro di posa per i fotografi una Margot Robbie in nero mozzafiato, Scarlett Johansson in bianco panna praticamente perfetta. E un terrificante Timothée Chalamet con outfit tra pigiama e palestra. In mancanza di un vero presentatore, formula che probabilmente proseguirà nei prossimi anni, l’apertura grintosa, sontuosa e raffinata in musica di Janelle Monae ci ha abituati troppo bene. Perché la serata degli Oscar è stata sostanzialmente succinta ma terribilmente noiosa: mai uno sbaffo, mai una mezza parola oltre i limiti consentiti, mai una sorpresa.

Oscar 2020 i vincitori Parasite è il miglior film Joaquin “Joker” Phoenix Renée Zellweger Brad Pitt e Laura Dern migliori attori

L’unico sussulto imprevisto e molto comunista arriva quando viene premiato American Factory come miglior documentario. Julia Rieichert, co-regista assieme Steven Bognar, si prende lo spazio di una battuta sul mondo del lavoro: “Per i lavoratori la vita è sempre più dura. E potrà migliorare solo quando lavoratori di tutto il mondo si uniranno”. Ancora la Disney/Pixar a raccogliere l’ennesimo Oscar per l’animazione con Toy Story 4. Poi corrono tutti in scena per far chiudere presto la serata: Elton John, che tra l’altro vince il suo secondo Oscar per il brano I’m Gonna Love Me Again, tratto dal film suo biopic Rocketman, esegue un live inascoltabile; Billie Eilish che invece canta una Yesterday da brividi mentre scorrono le immagini “in memoriam” rivediamo i nostri Piero Tosi e Franco Zeffirrelli. Ma anche il grande Kirk Douglas, Peter Fonda, Terry Jones e Bibi Andersson. Infine Eminem che rilascia una scarica di adrenalina che subito si esaurisce dopo la standing ovation. Alla fine gli Oscar 2020, invece del solito florilegio post #metoo, donna-afro-LGBTQ, (a proposito niente afroamericani vincitori) parlano improvvisamente coreano. La sala applaude convinta. Un finale più inatteso di così forse nemmeno il bustone scambiato da Warren Beatty e Faye Dunaway.

“ODIO L’ESTATE” LA RECENSIONE DEL FILM

“Odio l’estate” la recensione del film

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“Odio l’estate” la recensione del film

“Odio l’estate” la recensione del film

Distribuzione: Medusa Film 

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Regia: Massimo Venier
Cast: Aldo, Giovanni, Giacomo, Lucia Mascino, Carlotta Natoli, Maria Di Biase, Massimo Ranieri, Davide Calgaro, Ilary Marzo, Michele Placido, Sabrina Martina, Melissa Marzo
Genere: Commedia
Durata: 110 minuti
Voto: ♥♥♥ (su 5)

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La trama

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Tre uomini decidono di trascorrere le vacanze estive in un’isola a largo delle coste italiche, ognuno insieme alla rispettiva famiglia. Non conoscendosi, scelgono la stessa meta estiva, la stessa spiaggia e si ritrovano anche ad affittare la stessa casa…tutti nello stesso periodo. Sono totalmente diversi l’uno dall’altro. Aldo è un tamarro senza un lavoro fisso, è ipocondriaco, ha una passione per Massimo Ranieri. Vive con un cane di nome Brian, una moglie che urla invece di parlare, e i figli Ilary e Salvo. Giovanni è uno organizzato, preciso, gestisce un’impresa prossima al fallimento e viaggia con la moglie e la figlia Alessia. Infine, c’è Giacomo, medico di successo che non riesce, però, ad avere un rapporto con il figlioletto in piena pubertà.

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Sembra di essere tornati tra la fine degli anni ’90 e gli inizi del nuovo millennio, quando i film del trio furoreggiavano nelle nostre sale

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Dopo una pausa di poco più di 15 anni, Aldo, Giovanni e Giacomo riprendono, saggiamente, la collaborazione col loro regista di fiducia, Massimo Venier. Una scelta azzeccata, perché era l’unico modo per reindirizzare la loro vena artistica su una strada cinematografica correttamente tratteggiata. La storia è semplice ed efficace e il racconto insiste, ancora una volta ma senza annoiare, sulla loro inossidabile amicizia. Sembra di essere tornati tra la fine degli anni ’90 e gli inizi del nuovo millennio, quando i film del trio furoreggiavano nelle nostre sale. La voglia, in effetti, è quella di fornire un effetto nostalgia, inserendo, però, quegli stessi personaggi nella modernità. Ecco, dunque, Giovanni alle prese con una bottega di famiglia destinata alla chiusura e Giacomo, che deve combattere da genitore non biologico con un figlio maleducato e sempre incollato all’iPad.

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“Odio l’estate” è il trampolino di (ri)lancio di Aldo Giovanni e Giacomo

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Con “Odio l’estate” Aldo, Giovanni e Giacomo tracciano nuove vie d’uscita per la loro comicità, che sembrava ormai segnata da una data di scadenza. Questo film è il loro trampolino di (ri)lancio, perché si, sono ancora legati a un passato che li obbliga all’autocitazionismo, però hanno anche il coraggio di osare nel parlare un linguaggio se non nuovo, almeno diverso. Soprattutto, hanno aperto il loro mondo maschile (ma mai maschilista) all’universo femminile. Finalmente, nel cast troviamo tre attrici di razza (Maria Di Biase, Carlotta Natoli e Cinzia Mascino), che entrano prepotentemente nella storia ed hanno un ruolo ben definito.

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“Odio l’estate” la recensione del film

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Il trio si mette, a tratti, da parte per lasciare spazio e scena alle compagne di viaggio. La loro comicità è meno istintiva e prorompente, ma si lascia incanalare in una sceneggiatura solida e ben strutturata, dove le risate di grana grossa si sacrificano in nome di una storia gradevole. Il nuovo meccanismo, insomma, non ripudia i vecchi ingranaggi, ma toglie loro la ruggine e li olia a dovere, per farli tornare a girare come ai vecchi tempi, seppur in maniera diversa. Bene Michele Placido, che nelle sue apparizioni dimostra di avere un’ottima sintonia comica con Aldo, Giovanni e Giacomo. Piacevole, seppur molto decontestualizzata, la comparsata del sempre bravo Roberto Citran. Funziona anche il cast di giovani e giovanissimi, in particolare Edoardo Vaino (Ludovico), che dà vita ad un personaggio perfettamente caratterizzato dalla sceneggiatura.

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“Odio l’estate” è diretto parente di “Chiedimi se sono felice”, ma ha ambizioni più alte

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“Odio l’estate” è un film maturo, tra i migliori (se non il migliore) del trio. E’ diretto parente di “Chiedimi se sono felice”, ma ha ambizioni più alte, giustificate dall’età dei tre protagonisti. Ciò, però, non equivale ad esserne all’altezza. Quando la pellicola svolta su tonalità blandamente drammatiche, infatti, sbanda e non tiene più la strada come un tempo. Nulla di grave, però, perché il coraggio va sempre premiato. Anche se costa una brutta ammaccatura su una macchina, sin lì, perfettamente stabile ed affidabile.

Francesco G. Balzano

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“FIGLI” LA RECENSIONE DEL FILM

“Figli” la recensione del film

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“Figli” la recensione del film

“Figli” la recensione del film

Distribuzione: Vision Distribution

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Regia: Giuseppe Bonito
Cast: Valerio Mastandrea, Paola Cortellesi, Stefano Fresi, Valerio Aprea, Paolo Calabresi, Andrea Sartoretti, Massimo De Lorenzo, Gianfelice Imparato, Carlo de Ruggeri, Betti Pedrazzi
Genere: Commedia, Drammatico
Durata: 97 minuti
Voto: ♥♥♥ (su 5)

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La trama

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Nicola e Sara sono una coppia innamorata e felice. Sposati da tempo, hanno una figlia di sei anni e una vita che scorre senza intoppi. Ma quella che era iniziata come una dolce fiaba romantica si trasforma in un vero incubo con l’arrivo di Pietro, il secondo figlio della coppia. Quella che sembrava una perfetta famiglia media inizia a mostrare i primi squilibri e i due coniugi si ritroveranno a scontrarsi con l’imprevedibile. Iniziano così a emergere vecchi rancori, insoddisfazioni che non riescono più a essere celate e ogni minimo disaccordo sembra essere motivo di litigio.

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“Figli” la recensione del film

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Era il 2002 quando Mattia Torre, grazie anche alla regia di Alessandro D’Alatri, regalava alla cinematografia italiana “Casomai”. Un film piccolo, un gioiellino, che, però, ritraeva perfettamente la nostra società e i nuovi ‘invisibili’: quelle giovani (più o meno) coppie desiderose di metter su famiglia. Una lotta ad ostacoli raccontata con la giusta ironia, quella che lascia l’amaro in bocca, quella di chi, come i due protagonisti, si sente abbandonato da tutti: dallo Stato ma anche e (forse) soprattutto dai genitori.

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Potremmo considerare “Figli” un “Casomai 2.0”

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Le cose non sono affatto cambiate da allora, anzi, ed è per questo che potremmo considerare tranquillamente “Figli” un “Casomai 2.0”. Qui, però, c’è un piccolo ma significativo passo avanti: la coppia formata da Cortellesi e Mastandrea ha voglia da uscire dall’isolamento in cui la società, forzatamente, la costringe. Una scena emblematica, in questo, senso è quando Nicola urla al mondo la sua gioia per l’arrivo del secondo figlio e riceve, miseramente, uno “sticazzi!” da un passante a caso. I due, però, non si arrendono, hanno voglia di emergere, di palesarsi.

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Il film è, in apparenza, molto leggero eppure riesce a cogliere la frustrazione, molto presente in tutti i genitori

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La sceneggiatura di Mattia Torre è matura, esperta, capace di cogliere il tragicomico che abbonda nella situazione di chi decide di mettere al mondo uno o più figli al giorno d’oggi. Il film è, in apparenza, molto leggero eppure riesce a cogliere la frustrazione, molto presente in tutti i genitori e che si svela anche in gesti che dovrebbero essere di cura, d’affetto. Tristemente spassoso, in tal senso, è l’accento che si mette nel sottolineare la ‘violenza’ che le mamme e i papà imprimono nel terzo passaggio di pulizia della bocca dei bambini.

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Lo stratagemma di inserire i protagonisti in uno sfondo bianco latte rende benissimo l’idea del loro stato di isolati totali.

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Le pecche di questo film sono, purtroppo, tutte nella regia inappropriatamente anonima di Giuseppe Bonito. C’è molto rispetto per Mattia Torre, questo si, tanto che si lancia in una scopiazzatura del televisivo “La linea verticale”. Lo stratagemma di inserire i protagonisti in uno sfondo bianco latte, come nella serie ospedaliera, rende benissimo l’idea del loro stato di isolati totali. Però questa sceneggiatura aveva un vitale bisogno di trovare una sua personalizzazione anche nella messa in scena.

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Tutto si riduce ad una lunga riflessione, con momenti divertenti, su una serie di cliché nei quali tutti i genitori potranno riconoscersi.

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Invece, Bonito si limita al compitino, ha paura di sbagliare, di non omaggiare nel migliore dei modi il prematuramente scomparso Torre. Il regista gira col freno a mano tirato, non dà ritmo al racconto, che si muove lentamente, troppo lentamente, con l’andatura di un monologo (perché da lì tutto nasce). Ma se Mastandrea, a teatro, con “I figli invecchiano”, era riuscito con la giusta modulazione vocale a sottolineare i momenti topici, in “Figli”, a livello visivo, manca proprio questo. Così tutto si riduce ad una lunga riflessione, con momenti divertenti, su una serie di cliché nei quali tutti i genitori potranno riconoscersi.

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“Figli” la recensione del film

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Ecco, allora, elencate le difficoltà nel fare accettare il nuovo arrivato alla prole già esistente. La (quasi) impossibilità di far convivere genitorialità e carriera, gli ostacoli nel trovare la baby-sitter adatta e, infine, gli intramontabili e irrisolvibili conflitti generazionali coi genitori, maggioranza assoluta e manovratori indisturbati al timone della nostra società. Tristemente bello il messaggio lanciato nel finale, sulla necessità di accettare ciò che capita, come un qualcosa che appartiene a noi stessi. Un messaggio che, se trasferito nella lettura del destino di Mattia Torre, rende tutto molto più commovente.

Francesco G. Balzano

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JOJO RABBIT LA RECENSIONE DEL FILM

“Jojo Rabbit” la recensione del film

Scritto da Francesco Balzano il . Pubblicato in Cinema. Lascia un commento

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“Jojo Rabbit” la recensione del film

“Jojo Rabbit” la recensione del film

Distribuzione: Walt Disney Italia / 20th Century Fox

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Regia: Taika Waititi
Cast: Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Archie Yates, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant
Genere: Commedia, Drammatico
Durata: 108 minuti
Voto: ♥♥♥1/2 (su 5)

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La trama

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E’ la storia di un dolce e timido bambino tedesco di dieci anni, Jojo Betzler, soprannominato “Rabbit”, appartenente alla Gioventù hitleriana durante i violenti anni della Seconda guerra mondiale. Siamo nella Germania del 1944, il padre di Jojo è al fronte in Italia, mentre sua madre, Rose, si prende cura di lui, dopo la morte della sorella. Il bambino trascorre le sue giornate in compagnia di Yorki, il suo unico vero amico, e frequentando un campo per giovani nazisti, gestito dal capitano Klenzendorf. Sebbene sia considerato strambo dai suoi coetanei, il ragazzo si sente un nazista avvantaggiato perché ha un amico immaginario molto particolare. Una versione grottesca e caricaturale di Adolf Hitler. Jojo odia gli ebrei, nonostante non ne abbia mai visto uno, è fermamente convinto che sia giusto ucciderli.

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Una commedia dai toni surreali che, però, non dimentica mai la tragedia che sta raccontando

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Taika Waititi, regista di padre maori e madre ebrea, affronta col giusto coraggio una delle pagine più nere della Storia. Quel regime nazista che, ancora oggi, purtroppo ha putridi echi nella nostra società. Lo fa, però, senza avere la presunzione di ricostruire quell’epoca in maniera didascalica, ma, più semplicemente (ed efficacemente), parodiandone estetica e (chiamiamoli così) ideali. Ne vien fuori una commedia dai toni surreali che, però, non dimentica mai la tragedia che sta raccontando.

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Dietro la risata si cela uno spirito caustico utile proprio a ridicolizzare delle fantasie che molti, troppi, hanno scambiato per verità addirittura scientifiche

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Come “La vita è bella”, infatti, anche “Jojo Rabbit” ha un’anima giocosa, che qualcuno potrebbe incautamente definire inappropriata, però nessuno spettatore potrà sostenere che si è osato giocare con eventi drammatici. Dietro la risata, infatti, si cela uno spirito caustico utile proprio a ridicolizzare delle fantasie che molti, troppi, hanno scambiato per verità addirittura scientifiche. Il punto di riferimento di questo film, non è, però, il capolavoro di Benigni, quanto piuttosto Wes Anderson per l’estetica e un mix di Edgar Wright e Jim Jarmusch per la pungente ironia. L’unica perplessità che lascia questa pellicola sta proprio qui: nell’incapacità di Waititi di seguire una strada propria. Preferisce, piuttosto, scegliere dei punti di riferimento (giusti) e scopiazzarli (in modo, però, perfetto) fino a diventare, quasi, manierista.

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Il film riesce a narrare nel modo giusto una tematica complessa semplificandola, forse, ma riuscendo a colpire il bersaglio con meticolosa essenzialità

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Sottigliezze, comunque, roba da attenti analisti cinematografici. Nella sostanza, “Jojo Rabbit” rimane un film necessario e azzeccato sia per tematiche che per linguaggio. E’, infatti, fondamentale raccontare il nazismo e la shoah al pubblico più giovane, quello che, per anagrafe, non potrà (quasi) più giovare dei preziosi racconti dei sopravvissuti ai campi di concentramento. Il film, appunto, riesce a narrare nel modo giusto una tematica complessa semplificandola, forse, ma riuscendo a colpire il bersaglio con meticolosa essenzialità.

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“Jojo Rabbit” la recensione del film

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Una pellicola che, pur essendo ambientata in un’epoca lontana, parla un idioma, ahinoi, attualissimo. Il bullismo, la paura del diverso, il body shaming e le difficoltà d’integrazione sono argomenti davanti ai quali nessuno può permettersi di girare le spalle. Perché Hitler è morto, ma i suoi tanti fantasmi continuano ad affacciarsi alle nostre finestre, soprattutto quelle dei nostri ragazzi che, con troppa facilità, tendono ad aprirgli. “Jojo Rabbit”, invece, è un’opera punk che li invita a dargli un calcio per rigettarlo fuori e farlo tornare (per sempre) da dove è venuto.

Francesco G. Balzano

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“TOLO TOLO” LA RECENSIONE DEL FILM

“Tolo Tolo” la recensione del film

Scritto da Francesco Balzano il . Pubblicato in Cinema. Lascia un commento

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“Tolo Tolo” la recensione del film

“Tolo Tolo” la recensione del film

Distribuzione: Medusa Film

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Regia: Checco Zalone
Cast: Checco Zalone, Souleymane Silla, Manda Touré, Nassor Said Birya, Alexis Michalik, Arianna Scommegna, Jean Marie Godet, Antonella Attili, Nunzio Cappiello, Gianni D’Addario, Eduardo Rejón, Nicola Nocella, Fabrizio Rocchi, Diletta Acquaviva, Maurizio Bousso, Sara Putignano, Barbara Bouchet, Nicola Di Bari, Francesco Cassano
Genere: Commedia
Durata: 90 minuti
Voto: ♥ (su 5)

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La trama

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Il film narra la tragicomica storia di Checco (Zalone), uomo che ama sognare in quel di Spinazzola, in Puglia. Dopo un fallimentare tentativo di trapiantare la cultura del sushi in terra carnivora, Checco fugge oberato dai debiti e tampinato da famiglia ed ex-mogli. Tutti incauti finanziatori dei suoi goffi sogni imprenditoriali. Si rifugia da cameriere in un resort africano, a confidarsi con l’amico e collega del posto, Oumar, che sogna l’Italia e adora il cinema neorealista italiano. Dentro di sé, Checco si sente più vicino ai tanti ricconi italiani che deve servire nell’hotel. Il suo equilibrio è decisamente precario, e si spezza quando la guerra civile spazza via tutto. E spinge Checco e Oumar prima nel villaggio di quest’ultimo, poi direttamente sulla rotta per l’Europa. Bus precari, deserto, passaggi fortunosi, momenti di pace, guerriglia, carceri e attraversamento del Mediterraneo. Checco non vuole saperne di tornare dove lo attendono al varco debiti e fallimenti, anzi: sogna di ritornare in Europa ma di trasferirsi nel Liechtenstein!

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Manca un’idea di cosa sia il Cinema e di come si debba costruire non specificatamente una commedia (come nel caso) ma un film in generale

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Per realizzare “Tolo Tolo”, Luca Medici, in arte (?) Checco Zalone, abbandona la sua storica collaborazione con Gennaro Nunziante per farsi coadiuvare, alla sceneggiatura, da Paolo Virzì. Un nome altisonante che, però, rimane soltanto scritto nei crediti, in quanto la mano del regista livornese rimane invisibile e impalpabile. Dietro la macchina da presa, per la prima volta, il comico si mette in proprio e, stavolta si, è del tutto evidente che la pellicola sia girata (si fa per dire) da un esordiente totale. Manca un’idea di cosa sia il Cinema e di come si debba costruire non specificatamente una commedia (come nel caso) ma un film in generale.

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“Tolo Tolo” la recensione del film

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L’insieme è un totale pastrocchio, un qualcosa di indefinito e senza né capo né coda. Non c’è una struttura a sorreggere le battute (quelle poche e poco divertenti che ci sono), né una vaga percezione di quale strada si voglia prendere. Circostanza grave se, ripetiamo, a metter mano alla sceneggiatura c’è anche un uomo navigato del cinema come Paolo Virzì. Invece, qui non c’è altro che una telecamera pronta a seguire il ciondolanta andare di un idiota (il personaggio di Checco Zalone), il quale vaga svagato nel bel mezzo di una tragedia senza mai farsi una domanda.

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L’intenzione è quella di guardare la realtà in superficie, prendendo uno slogan da destra e un altro da sinistra, e limitandosi a ripeterlo

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Non si abbia l’ardire di sostenere che “Tolo Tolo” (molto semplicemente, una storpiatura dell’italiano “solo solo”) sia un film che fa riflettere, perché non è affatto così. Anzi, l’intenzione è proprio l’esatto contrario, ovvero quella di guardare la realtà in superficie, prendendo uno slogan da destra e un altro da sinistra, e limitandosi a ripeterlo. Da che parte sta Checco Zalone? Alla domanda non c’è risposta, non in questo film (?) almeno, ma, francamente è il minore dei problemi. Si potrebbe dire che, addirittura, è una questione insignificante, perché qui il tema principale è che manca proprio la sostanza.

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Non si mette alla berlina niente e nessuno, è uno sguardo distratto su una tragedia

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Questa pellicola è il nulla, uno specchio il cui unico compito è riflettere. Non si mette alla berlina niente e nessuno, è uno sguardo distratto su una tragedia. Un contenitore vuoto che ognuno può riempire con le proprie idee sostenendo che vengano ridicolizzate quelle degl altri. Ma, in realtà, se uno prova davvero a immergersi dentro scoprirà che non c’è proprio profondità. Il punto più basso, poi, si raggiunge con l’insulso finale che la coppia Zalone/Virzì decide di dare alla loro orrenda creatura. Una canzoncina frivola ed inutile con la presuntuosa pretesa di far ridere, per giunta. Praticamente una summa di tutta l’operazione.

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“Tolo Tolo” la recensione del film

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Checco Zalone si conferma sceneggiatore mediocre e si scopre pessimo regista. Nessuna idea di cosa sia un film e da dove si cominci per realizzarlo, ma è bravissimo (e qui giù il capello) a vendere il suo brand. Non ha inventato nulla di eclatante, si tratta semplicemente di un personaggio banale, che ha fatto del banalismo la sua cifra stilistica. Non prende posizione, non è cerchiobottista, né ‘spara’ a 360 gradi. Fa una semplice operazione di marketing: strizza l’occhio ad ognuno di noi e ci invita a guardare il suo nulla. Quando uno scopre l’inganno (ammesso che lo scopra) è troppo tardi, perché stanno già scorrendo i titoli di coda. Ha giocato al gioco delle tre carte con gli spettatori, ma tra genio e furbizia c’è una bella differenza…

Francesco G. Balzano

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“HAMMAMET” LA RECENSIONE DEL FILM

“Hammamet” la recensione del film

Scritto da Francesco Balzano il . Pubblicato in Cinema. Lascia un commento

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“Hammamet” la recensione del film

“Hammamet” la recensione del film

Distribuzione: 01 Distribution

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Regia: Gianni Amelio
Cast: Pierfrancesco Favino, Livia Rossi, Luca Filippi, Silvia Cohen, Omero Antonutti, Renato Carpentieri, Giuseppe Cederna, Claudia Gerini
Genere: Biografico, Drammatico
Durata: 126 minuti
Voto: ♥♥♥ (su 5)

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La trama

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Film incentrato sulla figura di Bettino Craxi, racconta un capitolo critico della storia d’Italia. A distanza di 20 anni dalla morte di uno degli uomini politici più importanti della Repubblica Italiana, Amelio riporta a galla il nome di Craxi. Un tempo sulle testate di tutti i giornali e oggi occultato silenziosamente sotto strati e strati di sabbia. Bertino Craxi, un nome che molti non vogliono ricordare, che intimorisce altri e che altri ancora vorrebbero cancellare, forse per sempre. Il film, basato su testimonianze reali, è un thriller fondato su tre tappe. Il re caduto: il primo socialista con l’incarico di Presidente del Consiglio dei Ministri, indagato poi nell’inchiesta Mani pulite. La figlia che lotta per lui: Stefania, istitutrice della Fondazione Craxi, volta a tutelare l’immagine del padre. Infine, l’ultimo capitolo, il terzo, dedicato a un misterioso giovane. Il quale entra nell’ambiente politico della famiglia Craxi, provando a demolirlo da dentro.

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“Hammamet” la recensione del film

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Gianni Amelio si confronta con uno dei personaggi più influenti della recente Storia d’Italia, ovvero Bettino Craxi. Lo fa senza dare giudizi, perché fu un uomo controverso sul quale, ancora oggi, è impossibile esporsi senza schierarsi politicamente, cosa che il regista, con saggezza, evita accuratemente. Così, lo spettatore rimarrà nel dubbio, se non ha già (dentro di sé) la risposta: ci troviamo davanti ad un delinquente o, al contrario, ad uno dei più grandi statisti degli ultimi cinquant’anni?

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Amelio inserisce un’ oggettiva, dunque non partitica, riflessione su quanto gli italiani abbiano la tendenza a distruggere idoli dopo averli innalzati

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Dunque, nessuna risposta a questo dilemma che, nel film, tale rimane. “Hamamet” non narra molto delle peripezie politiche di Craxi, perché preferisce raccontarne le ultime, umanissime, sofferenze. In questo contesto Amelio inserisce, poi, un’ oggettiva, dunque non partitica, riflessione su quanto gli italiani abbiano la tendenza a distruggere idoli dopo averli innalzati.

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L’intento di Amelio è quello di raccontare la caduta di un uomo che iniziava a sentirsi quasi un Dio

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Altra scelta saggia della sceneggiatura è quella di non dare nomi reali (e in certi casi non darne proprio) ai vari personaggi. Basti pensare che neppure Craxi viene mai citato direttamente, proprio per dare un senso di universalità alla vicenda narrata. E (forse forse) anche per inscenare un divertente gioco con gli spettatori, una sorta di malizioso ‘Indovina Chi?’. Alcuni, diciamolo, sono facilmente identificabili: più di tutti ‘Il Giudice’, che è senza dubbio Di Pietro. Ma è altrettanto ipotizzabile che Vincenzo sia, in realtà, Moroni e che dietro ‘l’Ospite’ si nasconda la figura di Fanfani. Quisquilie, comunque, perché l’essenza del film è altro: l’intento di Amelio, infatti, è quello di raccontare la caduta di un uomo che iniziava a sentirsi quasi un Dio, fino all’ultima caduta ai piedi di un albero al quale non riesce più nemmeno ad aggrapparsi. Una discesa colma di simboli e onirismo, perfettamente sottolineata dai gravi spartiti composti, magistralmente, dall’impeccabile Nicola Piovani.

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Favino ci restituisce il leader del PSI nella sua grandezza politica e nella fragilità umana, un uomo costantemente in bilico tra l’immagine pubblica (granitica) e quella privatissima, in cui piange e soffre senza nascondersi, anzi, a favor di telecamera

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Il lento declino di Craxi lo ritroviamo anche negli ambienti che lo circondano. Si parte da un’ enorme sala congressi, dove giganteggia su un palco rialzato, e finisce in un’ angusta, labirintica, ‘prigione’ all’aperto, ovvero i cunicoli della città nella quale è in esilio. “Hamamet” è soprattutto, se non addirittura soltanto, un film appoggiato sulle potenti spalle di un Favino in forma smagliante. Al di là dei preziosismi di cui abbiamo scritto, ma difficili da cogliere, il film è disegnato attorno al personaggio dell’attore romano, che è riuscito a cogliere ogni singolo aspetto di Craxi. I complimenti al compito svolto da trucco e parrucco sono d’obbligo, ma sarebbe stato vano senza il lavoro sulla voce, la mimica e pure la psicologia del protagonista. Favino ci restituisce il leader del PSI nella sua grandezza politica e nella fragilità umana, un uomo costantemente in bilico tra l’immagine pubblica (granitica) e quella privatissima, in cui piange e soffre senza nascondersi, anzi, a favor di telecamera.

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“Hammamet” la recensione del film

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“Hamamet” è, dunque, una pellicola che si fonda sull’interpretazione degli attori e non tutti loro, dispiace scriverlo, sono all’altezza del compito. Su Favino non c’è altro da aggiungere, mentre è d’obbligo un accenno alla bravura della giovane Livia Rossi, che interpreta con credibilità la figlia di Bettino, Stefania, nel film ribattezzata Anita in un chiaro accenno all’esilio scelto da o imposto al (fate voi) protagonista. Complimenti che, invece, non possono essere rivolti a Luca Filippi. Il suo Fausto è interpretato in maniera davvero infelice, privo di espressività e di giusta intonazione. Grandiosa, invece, ma non c’è quasi bisogno di sottolinearlo, la prova attoriale di Renato Carpentieri. Il suo ‘Ospite’ è l’unico davvero in grado di reggere la scena con lo strabordante Favino.

Francesco G. Balzano

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“PINOCCHIO” DI MATTEO GARRONE LA RECENSIONE DEL FILM

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